YU-ZEN

Me at Ishida Mansen Koujo, Kyoto learning yuzen dye painting on silk

 I have always been attracted by the bold design of Japanese kimono.  Having spent several years studying Japanese art history and its painting tradition, I used my spare time in the Summer of 2009 to draw a rough design of a costume partly inspired by Asakusa’s matsuri (festival) and the formal Asuka period court coat.

          The costume is made up of a short Haori (jacket) type garment, much shorter than a real kimono and closer in form to an undergarment called Hanjuban.  A more casual obi (belt) helps to tie up the loose garment.  The garment was made from a dark brown silk with gold cloud motifs, originally bought in Vietnam.  It was cut and finished in China by an opera costume maker according to my design.

          For the belt design, I made a precise line drawing on a 3 metre long tracing paper that rolls up for travel.  It features the vine called Phytocrene macrophylla from Java, some beautiful Japanese aristolochias throughout the entire length and two male figures, one on either end.  Then I started to look for a traditional yuzen factory that can provide a place to realize an obi.  From some of the guidebooks about Kyoto where yuzen traditional dye originated, I came across the organization called Taikenkobo www.taikenkobo.jp which provide a platform for interested parties to book appointments and experience various crafts of Kyoto.  From the choice of more than a dozen established studios and factories, my Tokyo friends helped me to make connection with Mr. Mansuke Ishida, a traditional yuzen artist and a member of Japanese Yuzen Artist Association.  Other studios only can accommodate interested parties for a simple yuzen experience that lasts for a couple hours at most.  Ishida Mansen Koujo www.eonet.ne.jp/~mannsuke/ is located near Nijo Castle served by several subway and train stations.  I went there by taxi on the first day to avoid getting lost.

          As I researched this all in advance, I got special deals on hotels and plane tickets thanks to my Tokyo friends Yasushi San and Hiromi San who just about arranged everything.

          Kyoto’s winter is cold with about 5 degrees outdoor and not much higher indoor in old traditional houses.  I put on layers of clothes but was able to warm up better by the nice heater inside the studio.  I met Ishida Sensei (teacher) and his daughter and we drove to visit Hayashi Sensei, Ishida Sensei’s friend, who is the chief artist of Hayashi Designer’s Studio.  Mr. Hayashi speaks perfect English having exhibited inNew York and Vancouver, where I came from, helped translated between me and Mr. Ishida.

          I explained my project and we discussed about the execution method and material involved over tea.  The more than eleven steps in Yuzen Dyeing will definitely take me at least several days to complete given the details I want in the final obi.  Mr. Hayashi showed me his collection of kimono art and generously invited me to visit his house to view the collection of prints, paintings and art collected over the years.

          We left Mr. Hayashi’s studio and broke for lunch and then started preparing a piece of silk of 3 metre long, first fastened to two pieces of wood suspended using ropes to wooden beams.  Along the width, bamboo sticks helped stretch the silk. Soybean and seaweed juice mixture was then applied and left to dry.  This step of colour conditioning was important to prevent the running of colours in the subsequent steps.

          Rough drawing (shitae) could be applied using a fine brush with Indian ink (lines will show in the end) or using a brush dipped in blue flower sap (to be washed off totally).  It took me an entire day to trace the delicate design onto the silk using a light table.  Areas using yuzen technique need starch contouring (norioki).  A white rubber starch, applied using a small pastry bag with a fine tube, is superimposed to prevent running of the colours outside the design.  Eventually when the rubber resist is washed off, the contour lines will be left white, giving the cloth the characteristic yuzen look.

          On the second day, the silk then was taken to the 2^nd floor to go through another colour conditioning and evaporating oil was sprayed on and then the silk was left to dry in a well ventilating room.  While the silk was drying, Ishida Sensei explained about colour choosing, mixing and applying.  A couple old colour books were brought out showing the colour samples with numbers and names.  Traditional yuzen follows a kind of “colour by number” scheme.  As a result, most often, all colours were coordinated and mixed in quantity to last before application.  My project calls for a more free-style painting.  Ishida Sensei demonstrated mixing different greens and by adding mixture of glue and water to come up with lighter greens that will not bleed on the silk.

          Application of colour dye went smoothly but it took up the entire 3^rd day and I added extra days. After 25 more hours of colouring, the project came to a close.  The two male figures were left just in outline but the aristolochias were painted in deep burgundy and vivid pink, wave patterns were in light purple which contrasts well with bright green leaves.  Design of Japanese candies were in jolly colours while the Phytocrene vine was in gray and blue with shades of green punctuated by light yellow flowers and brown fruits.

          For post-production, the silk will be steamed to set the colours, and then washed thoroughly, rinsed in cold running water so that surplus dye is washed out.  Then the final plain water washing will remove any dust or unwanted substance and then the silk is ready for ironing.

          I enjoyed my time spent at Ishida Studio very much.  Ishida Sensei is very kind and showed me some of his beautiful creations be it kimono, Matsuri flags or traditional Heian silk decorations that acts as dividers of spaces in a room.  I also love his sketches of wild flowers.  The most spectacular is a haori design based on a study of Amida Raigo (the Descent of Amida Buddha).  I must also thank Ishida Sensei’s friend Hayashi Sensei, Ishida Sensei’s mother and brother, his daughter Ikuko San and the staff Kaori San for their kindness and immense support.  The lunch time with delicious bento box and the tea time snacks were the highlights of the day of work.  They enjoyed sharing their very special art and invite interested parties to learn the secret of yuzen dyeing in the classical city of Kyoto.

Sono sempre stato attratto dal design audace del kimono giapponese. Dopo aver trascorso diversi anni a studiare la storia dell'arte giapponese e la sua tradizione pittorica, ho usato il mio tempo libero nell'estate del 2009 per tracciare un disegno approssimativo di un costume in parte ispirato da matsuri di Asakusa (festival) e la formale Asuka periodo cappotto tribunale.

          Il costume è composto da una breve Haori (giacca) Tipo di indumento, molto più breve di un vero kimono e più vicino in forma di un indumento intimo chiamato Hanjuban. Un obi più casual (cintura) contribuisce a legare il capo sciolto. L'indumento è stato fatto da una seta marrone scuro con motivi nube d'oro, originariamente acquistato in Vietnam. E 'stato tagliato e rifinito in Cina da parte di un costume creatore dell'opera secondo il mio disegno.

          Per il disegno della cinghia, ho fatto un disegno al tratto preciso su un lungo carta da lucido 3 metro che si arrotola per i viaggi. Presenta il vitigno denominato Phytocrene macrophylla da Java, alcune belle aristolochias giapponesi per tutta la lunghezza e due figure maschili, uno su ciascuna estremità. Poi ho iniziato a cercare una fabbrica yuzen tradizionale che può fornire un posto per realizzare un obi. Da alcune delle guide in merito a Kyoto dove yuzen tintura tradizionale nato, mi sono imbattuto l'organizzazione chiamata Taikenkobo www.taikenkobo.jp che forniscono una piattaforma per le parti interessate a prenotare appuntamenti e sperimentare vari mestieri di Kyoto. Dalla scelta di più di una dozzina di studi e fabbriche stabiliti, i miei amici Tokyo mi ha aiutato a fare il collegamento con il signor Mansuke Ishida, una tradizionale artista yuzen e membro del giapponese Yuzen Artist Association. Altri studios possono ospitare solo le parti interessate per una semplice esperienza yuzen che dura per un paio d'ore al massimo. Ishida Mansen Koujo www.eonet.ne.jp/ ~ mannsuke / si trova nei pressi del Castello di Nijo servita da più stazioni della metropolitana e dei treni. Sono andato lì con un taxi il primo giorno per evitare di perdersi.

          Come ho ricercato questo tutto in anticipo, ho ottenuto le offerte speciali per hotel e biglietti aerei grazie ai miei amici Tokyo Yasushi San e San Hiromi che praticamente organizzato tutto.

          Invernale di Kyoto è fredda con circa 5 gradi esterni e non molto più alta coperta in vecchie case tradizionali. Ho messo su strati di vestiti, ma è stato in grado di riscaldare meglio dalla bella stufa all'interno dello studio. Ho incontrato Ishida Sensei (maestro) e di sua figlia e siamo andati a visitare Hayashi Sensei, amico di Ishida Sensei, che è l'artista capo di Hayashi Designer Studio. Mr. Hayashi parla inglese perfetto dopo aver esposto a New York e Vancouver, dove sono venuto, ha aiutato a tradurre tra me e il signor Ishida.

          Ho spiegato il mio progetto e abbiamo discusso sul metodo di esecuzione e di materiale coinvolto nel tè. I più di undici passi in Yuzen tintura sarà sicuramente mi vorranno almeno alcuni giorni per completare dato i dettagli che voglio nella obi finale. Mr. Hayashi mi ha mostrato la sua collezione di kimono d'arte e generosamente mi ha invitato a visitare la sua casa per vedere la collezione di stampe, dipinti e opere d'arte raccolti nel corso degli anni.

          Abbiamo lasciato lo studio di Mr. Hayashi e rotto per il pranzo e poi ha iniziato la preparazione di un pezzo di seta da 3 metri di lunghezza, prima fissato a due pezzi di legno sospesi con corde a travi di legno. Lungo la larghezza, bastoni di bambù hanno aiutato allungare la seta. Soia e la miscela di succo di alghe è stato poi applicato e lasciato ad asciugare. Questa fase di condizionamento colore era importante per prevenire l'esecuzione di colori nei passaggi successivi.

          Disegno ruvido (shitae) potrebbe essere applicato con un pennello sottile con inchiostro di china (linee mostreranno alla fine) o con un pennello intinto in blu fiore linfa (per essere lavato via completamente). Mi ci è voluto un giorno intero per tracciare il delicato disegno sulla seta con un tavolo luminoso. Aree con tecnica Yuzen bisogno contouring amido (norioki). Un amido di gomma bianca, applicato utilizzando una tasca da pasticcere piccola con un tubo sottile, si sovrappone per impedire l'esecuzione dei colori al di fuori del disegno. Alla fine, quando la gomma resist viene lavato via, le linee di contorno vengono lasciati bianchi, dando il panno il caratteristico aspetto yuzen.

          Il secondo giorno, la seta, poi è stato portato al 2 ° piano di passare attraverso un altro condizionamento del colore e l'olio di evaporazione è stato spruzzato su e poi la seta è stato lasciato ad asciugare in una camera di ventilazione bene. Mentre la seta si stava asciugando, Ishida Sensei ha spiegato circa la scelta del colore, la miscelazione e l'applicazione. Un paio di vecchi libri a colori sono stati portati fuori mostrando i campioni di colore con numeri e nomi. Yuzen tradizionale segue una sorta di "colore da numero" schema. Come risultato, il più delle volte, tutti i colori sono stati coordinati e miscelati in quantità per durare prima dell'applicazione. Il mio progetto prevede una pittura più free-style. Ishida Sensei ha dimostrato di miscelazione verdi diversi e con l'aggiunta di miscela di colla e acqua a venire con i verdi più chiari che non sanguinano sulla seta.

          Applicazione del colorante colore è andato liscio ma ha preso l'intero 3 ° giorno e ho aggiunto giorni in più. Dopo 25 ore in più della colorazione, il progetto si è concluso. Le due figure maschili sono stati lasciati solo a grandi linee, ma le aristolochias sono state dipinte in rosa intenso bordeaux e vivaci, modelli di onda erano in viola chiaro che contrasta bene con foglie verde brillante. Progettazione di caramelle giapponesi erano in colori allegri, mentre la vite Phytocrene era in grigio e blu con sfumature di verde punteggiato da fiori gialli luminosi e frutti marroni.

          Per la post-produzione, la seta viene cotto a vapore per impostare i colori, e quindi lavati accuratamente, sciacquati in acqua corrente fredda in modo che colorante in eccesso viene lavato fuori. Poi il lavaggio finale semplice acqua rimuoverà ogni traccia di polvere o sostanze indesiderate e quindi la seta è pronto per la stiratura.

          Ho apprezzato il mio tempo trascorso in Ishida Studio molto. Ishida Sensei è molto gentile e mi ha mostrato alcune delle sue bellissime creazioni che si tratti di kimono, bandiere Matsuri o decorazioni tradizionali di seta Heian che agisce come divisori di spazi in una stanza. Amo anche i suoi schizzi di fiori selvatici. La più spettacolare è un disegno haori basato su uno studio di Amida Raigo (la Discesa di Amida Buddha). Devo anche ringraziare di Ishida Sensei amico Hayashi Sensei, la madre di Ishida Sensei e il fratello, sua figlia Ikuko San e il personale Kaori San per la loro gentilezza e immenso sostegno. L'ora di pranzo con deliziosi bento box e gli spuntini di tempo del tè sono stati i momenti salienti della giornata di lavoro. Hanno goduto di condividere la loro arte molto particolare e invitano le parti interessate a imparare il segreto della tintura Yuzen nella città classica di Kyoto.

TRATTO DA http://www.thingsasian.com/stories-photos/40690

------------------------------------------------------

SEGUI LINK http://ameblo.jp/sappy-iris/theme-10016068990.html

Mariano Fortuny, l'artista-industriale che rivive nei suoi tessuti

A Venezia la storica fabbrica di questo genio eclettico del primo Novecento: oltre che pittore, inventore, stilista, inventò un procedimento per decorare tessuti d'arte che non hanno pari nel mondo

I tessuti Fortuny sono più celebri negli Stati Uniti che in Italia, dove - a Venezia - si fabbricano. Sono tele di cotone splendidamente decorate con colori antichi, ori, argenti, in disegni arabescati che rimandano alla grande tradizione del Settecento veneziano, del Rinascimento fiorentino e delle manifatture orientali; sono stoffe morbide ma corpose, la mano sente i rilievi della stampa e l'occhio gode della ripetitività mai uguale dei motivi che si stagliano su fondi dalle sfumature cangianti.

La loro bellezza per molti è quasi leggendaria e capita che qualche americano un po' troppo sensibile arrivi nella fabbrica e, nella sala dell'esposizione, dia segni di svenimento, colpito da una variante tessile della sindrome di Stendhal. Sono tele utilizzate per la decorazione d'interni e arredano le dimore di molte celebrità e case reali, negli Stati Uniti sono un status symbol e lo show room sulla Terza avenue, a New York, entro l'anno triplicherà i suoi spazi (e a Venezia raddoppierà: i lavori sono già cominciati): il vero lusso non soffre crisi. 
La proprietà, da oltre cinquant'anni, è americana, ma la fabbrica continua il suo lavoro con i pacifici ritmi veneziani, affacciata al Canale della Giudecca, nell'antica isola industriale della laguna, proprio a fianco del Molino Stucky. Tutto è rimasto fermo agli anni Venti, quando i vecchi laboratori furono spostati qui per avviare la produzione in serie: stessi locali, stesse macchine, stessi stampi, stessi prodotti di allora. Il computer è entrato negli uffici nel 2002, e resta confinato alla contabilità. Il processo è filtrato da una nebbia di mistero: nessuno ha accesso allo stabilimento, se non gli addetti. Le ricette sono note a quattro persone, ciascuno per il proprio segmento di lavoro: se un giorno mancassero contemporaneamente, i rulli di stampa resterebbero immobili e si dovrebbe ricorrere ai documenti depositati in cassaforte. Segreti gli ingredienti - pigmenti, colle, fissanti, tutto naturale; segreto il metodo, elaborato da Mariano Fortuny, che viene realizzato attraverso macchine da lui stesso concepite e rimaste intatte. Anche il macinino con cui si polverizza lo zinco è sempre lo stesso esemplare, come sono immutati gli immensi stendini in legno che permettono a una pezza lunga 120 metri e larga uno e mezzo, di asciugare all'aria, stesa per due, tre giorni: quando in tutte le fabbriche del mondo da decenni si usano gli essicatori. Questa è produzione in serie, ma mai uguale; lo stesso colore, codificato in catalogo, se usato in giorni diversi appare diverso, perché la temperatura e l'umidità dell'aria incidono sul risultato e rendono le tinte più morbide e brillanti. Qualcosa di simile si può riscontrare forse solo nelle fabbriche di porcellana d'arte, dove l'uscita dei manufatti dal forno è sempre un'incognita. Finita l'asciugatura, poi, c'è l'intervento finale: teoricamente è un controllo di qualità, di fatto è un nuovo passaggio a mano, con pennelli e strumenti adatti, per ritoccare i disegni e rinvigorirli là dove manca freschezza. Dall'inzio della produzione di una tela - si tratta di cotone egiziano a fibra lunga di ottima qualità - alla sua conclusione si succedono decine di passaggi e trascorrono in tutto, tra lavorazioni e stasi di riposo, tre, quattro mesi. Il risultato è sempre un pezzo unico, come la prova d'autore di un'acquaforte: possedere un tessuto Fortuny - diventi esso un tendaggio, una tappezzeria, un copriletto - significa possedere un'opera d'arte autentica e, in qualche modo, irripetibile. 
Lo capì perfettamente una grintosa donna americana, Elsie McNeill, che conobbe Mariano Fortuny e i suoi tessuti negli anni Trenta, nel negozio che egli aveva aperto sugli Champs Elisées, a Parigi. Ottenne di rappresentarlo negli Stati Uniti, dove si rivelò una manager efficiente facendo penetrare quelle squisitezze italiane nelle case del bel mondo, dall'Atlantico al Pacifico, da Washington a Hollywood. La sua era vera passione, ma sostenuta da eccellenti abilità di vendita. Negli anni Cinquanta fu l'erede naturale della fabbrica e dei suoi segreti, e lei stessa - morta nel 1994 più che centenaria e senza figli - scelse accuratamente il proprio successore non tra quanti premevano per appropriarsi della società, a suon di milioni, ma nel proprio avvocato, Maged Riad, un egiziano naturalizzato negli Stati Uniti, che in tanti anni di relazione di fiducia le aveva dimostrato di esserne degno: uno dei pochi casi al mondo di stabilimento ceduto non per soldi, ma per merito. E non una, ma due volte. I patti che reggono l'impresa sono tuttora "da gentiluomini": la produzione sarà continuata con la massima fedeltà ai metodi del fondatore, con le stesse macchine e le stesse ricette, e mai sarà trasferita da Venezia. 
Lo si sarà capito: questa è molto di più di una fabbrica. E' l'essenza stessa, il momento di sintesi, della personalità versatile di un artista di fama europea, che in questi tessuti espresse il suo gusto per l'arte, le sue capacità tecniche, la sua cultura storica, le sue abilità manuali: Mariano Fortuny y Madrazo, appunto, che si pronuncia con l'accenta sulla u, Fortùny, perché spagnolo di nascita. Fu pittore, inventore, fotografo, creatore di moda, disegnatore di mobili e di lampade. Fu, non a caso, amico e socio di Gabriele D'Annunzio, con il quale condivise il gusto eclettico e il piacere di un'esistenza estetizzante. In vita, fu celebre soprattutto per un sistema di illuminazione a cupola capace di simulare la volta celeste nella scena dei teatri, una sua invenzione industrializzata dalla tedesca Aeg, che fu installata nelle principali città europee. Come pittore fu un eclettico dalle abilità virtuosistiche, partecipò regolarmente alle Biennali e brevettò una sua ricetta di colori a tempera; fu un designer ante litteram, incisore e acquafortista; come fotografo, raffinatissimo nel gusto, sperimentò nuove alchimie di stampa, come stilista fu conteso da donne del jet set come Eleonora Duse, la marchesa Rothschild, Isadora Duncan. Fu una griffe del tempo, e i suoi abiti richiesti tra il vecchio e il nuovo continente. Si fosse concentrato sulla haute couture, si fosse circondato di uomini d'affari capaci di estrarre dalla sua genialità il lato imprenditoriale, avrebbe conquistato la fama di un Louis Vuitton o di un Christian Dior. Invece, anche nel successo, restò sempre uno straordinario artigiano, "vittima" delle sue curiosità e della sua smodata attrazione per la ricerca.
La sua storia è una bellissima avventura intellettuale nella cultura europea a cavallo tra l'Ottocento e il Novecento. Nacque nel 1871, a Granada, e solo tre anni dopo morì improvvisamente suo padre, Mariano come lui, pittore all'apice della fama. Da Roma, dove viveva, la famiglia si trasferì a Parigi. Anche il nonno materno, Federico de Madrazo, era pittore alla corte reale di Spagna, e fin da bambino il giovane Mariano frequentò, per studio o per amicizia, i più bei nomi della cultura di quegli anni, da Benjamin Constant, ad Auguste Rodin, a Giovanni Boldini. Adolescente, con la madre e la sorella si trasferì a Venezia, la città più ricca di suggerimenti artistici nel mondo. Prima a Palazzo Martinengo, poi a Ca' Pesaro degli Orfei, oggi Palazzo Fortuny, museo a lui dedicato: vi arrivò diciottenne nelle soffitte, enormi spazi nei quali poteva largheggiare in esperimenti, poi via via acquistò tutte le proprietà dai 150 residenti, e restaurò la ricca dimora com'era stata nel Settecento. Mariano morì nel 1949, e la vedova Henriette Negrin, che gli sopravvisse sette anni, dopo il rifiuto dello Stato spagnolo, donò lo storico edificio al Comune di Venezia, vincolandolo al suo nome del marito. Fu lei, priva di eredi, a scegliere Elsie Mc Neill come prosecutrice dell'attività della fabbrica.
Proprio nelle grandi soffitte Mariano avviò le prime decorazioni dei tessuti: l'ispirazione venne dalla collezione della madre, che questa dovette vendere in un momento di difficoltà economiche. Si fa risalire al 1907 la messa a punto dei metodi di stampa; il successo crebbe e nel 1921 fu aperta l'attuale fabbrica alla Giudecca; socio di capitali fu Giancarlo Stucky, allora titolare del celebre mulino confinante. L'attività si sviluppò con successo, frenata soltanto dall'onda lunga della crisi del 1929. Elsie Mc Neill, che la rilanciò pensando al mercato americano, si fece costruire un appartamento a fianco dello stabilimento, sposò un conte veneziano per acquisire un blasone e si dedicò, fino alla fine, a una intelligente opera di valorizzazione, tra arte e business. 
Oggi l'azienda è condotta da un giovane general manager, Giuseppe Iannò, qui dal 2007, fedele appassionato della tradizione che ha tra le mani; i suoi riferimenti sono Michael e Maurice Riad, i due figli dell'avvocato Maged. In termini economici non si tratta di grandi numeri: il valore al pubblico della produzione si calcola inorno ai 7-8 milioni di euro, all'incirca 20mila metri di stoffa all'anno, 26 dipendenti che presto diventeranno 28. Il principale cliente della Fortuny spa di Venezia è la Fortuny inc.
di New York, la società commerciale della stessa famiglia, che poi diffonde il prodotto attraverso agenti in tutto il mondo: i profitti si formano soprattutto lì, Oltreoceano. "Credo di essere l'unico manager in Europa a non avere obiettivi di vendita, perché i proprietari non me lo chiedono" scherza Iannò. "Il mio compito è quello di mantenere altissima la qualità del prodotto e di difendere l'azienda dalle copie". In realtà di emulatori-falsari ne esistono numerosi, ed è uno dei motivi per cui dei tessuti Fortuny non è mai stato pubblicato un catalogo: "Basta variare un dettaglio, e si eludono le protezioni" spiega Iannò. "Le nostre referenze sono 60 in tutto. L'archivio è fatto di 200 disegni originali, moltissimi sono inediti e li mettiamo in produzione con parsimonia; una ventina risalgono al Ventennio, con decorazioni di aquile e fasci littori". I nomi dei modelli rendono l'idea del mondo classico e un po' onirico al quale appartengono: De' Medici, Lucrezia, Boucher, Malmaison, Vivaldi, Caravaggio... A fine anno è già in programma una collezione nuova, che nasce anche dalla collaborazione con il museo Fortuny di Venezia, ospitato nello splendido palazzo-residenza. Si vanno estendendo le relazioni della società con collezioni pubbliche e private, specie negli Stati Uniti e in Spagna, anche con scopi semplicemente culturali, e non di business. A Barcellona nel febbraio dell'anno prossimo a Mariano Fortuny e al suo genio versatile sarà dedicata una grande mostra. Sarà un'occasione per approfondire la conoscenza di questo strano artista-inventore-industriale, che aveva l'animo ancorato alle radici della bellezza e la mente assediata dal mito del progresso.

TRATTO DA http://www.ilgiornale.it/news/mariano-fortuny-lartista-industriale-che-rivive-nei-suoi.html

Alcuni nuovi disegni di Sateriale

I disegni di Raffaela Maria Sateriale 

nascono quasi sempre per caso.

I nuovi disegni  invece sono nati dallo studio  accurato delle arti antiche degli artisti giapponesi di vari secoli fa.

In antichità i disegni venivano realizzati a mano ma con l'avvento del computer e dei programmi di grafica oggi è molto più veloce tradurre le idee in motivi e colori.

Sateriale è riuscita a nell'intento: disegni riproducibili su supporti diversi con stampa digitale o tradizionale.

          

L'ARTE SARASA GIAPPONESE

Japanese Sarasa had its origins in the 16th century and the term is derived from the Portuguese word for calico. During the Edo Period, Portuguese traders introduced cotton calicos from India into Japan where these beautiful, exotic fabrics quickly became enormously popular among wealthy samurai and merchant classes. These calicos, with vivid colors and striking abstract geometrics, were very distinctive to the Japanese eye when compared with traditional cotton and hemp indigo fabrics. Indian calicos were expensive and therefore small pieces were used to make valuable and colorful items like bags for tea ceremonies, tobacco cases and pouches. Already skillful at making distinctive textiles, the Japanese easily replicated the hitherto expensive Indian calicos into their own style and production techniques. While maintaining the eye-catching floral and scallop Indian fabric patterns, Japanese textile makers applied their indigenous katazome (rice paste resist dyeing and stencils) textile printing skills to making domestic sarasa, characterized by shades of kakishibu (madder, reds and browns) with distinctive Japanese floral designs and geometric shapes. As domestic sarasa became widely produced, less expensive, and more common than the imported calico, sarasa became a standard for wider use among the Japanese population. Sarasa was used in ordinary domestic applications like futon covers and wrapping cloths.


Giapponese Sarasa ha avuto le sue origini nel 16 ° secolo e il termine deriva dalla parola portoghese per calico. Durante il Periodo Edo, mercanti portoghesi introdotto calicò di cotone dall'India in Giappone, dove queste belle, tessuti esotici è diventato rapidamente molto popolare tra i samurai ricchi e le classi mercantili. Queste calicò, con colori vivaci e sorprendenti geometrie astratte, erano molto caratteristico per l'occhio giapponese rispetto al cotone tradizionale e canapa tessuti indaco. Calicò indiani erano costosi e quindi pezzi di piccole dimensioni sono stati utilizzati per creare oggetti preziosi e colorati come borse per cerimonie del tè, astucci e sacchetti di tabacco. Già abile a rendere tessili distintivi, i giapponesi facilmente replicato i calicò finora costose indiani nel loro stile e le tecniche di produzione. Pur mantenendo l'accattivante floreali e disegni tessuti indiani pettine, fabbricanti di prodotti tessili giapponesi applicato la loro katazome indigena (pasta di riso resistere tintura e stencil), le abilità di stampa tessile per rendere domestica Sarasa, caratterizzato da sfumature di kakishibu (robbia, rossi e marroni) con distintivo giapponesi disegni floreali e forme geometriche. Come domestica Sarasa diventato ampiamente prodotta, meno costoso e più comune del calico importato, Sarasa è diventato uno standard per un uso più ampio tra la popolazione giapponese. Sarasa è stato utilizzato nelle normali applicazioni domestiche come le coperture futon e tessuti avvolgenti.


CONTINUA http://www.kimonoboy.com/short_history.html

La moda di Sonia Delaunay

Sonia in her studio in the 1960's, in front of a wall of her designs.
They look as new as the paintings of many contemporary artists today. http://phoneseblog.blogspot.it/2012/03/sonia-delaunay.html

http://obit-mag.com/articles/the-colorful-life-of-sonia-delaunay

http://www.gruppo78.it/index.php?aid=213

Nella moda la prima esponente d'avanguardia del '900 è la pittrice Sonia Delaunay.

Sonia Delaunay Terk nacque in Ucraina nel 1885, dopo la sua formazione artistica a San Pietroburgo, si spostò a Parigi nel 1906 e iniziò a dipingere sotto l'influenza di Van Gogh e Gauguin, concentrandosi soprattutto sullo studio del colore.

Dopo il suo matrimonio con un altro artista, Robert Delaunay, iniziò insieme a lui una particolare ricerca sul colore e sulla luce. Attraverso questa sperimentazione i due artisti svilupparono una nuova corrente astratta: l'Orfismo.

Già dal 1911 Sonia applicò la sua ricerca sui colori a diversi campi dell'arte applicata, come la grafica, la legatoria, la decorazione, l'arredamento e la moda.

Nel 1911 nasce la prima opera d'arte applicata astratta: un copriletto realizzato con la tecnica del patchwork, formato da pezzi di stoffa di forme geometriche e colori diversi cuciti insieme in una grande composizione.

Nel suo atelier, chiamato Laboratorio simultaneo, nascono anche le sue prime opere di sartoria di stile "simultaneo". Sono abiti, sciarpe, borse, cappelli, con disegni geometrici e colori basati sulla legge ottica dei contrasti simultanei. Questo tipo di effetto ottico si ottiene quando si accostano tinte tra loro opposte, che se avvicinate aumentano la propria luminosità. Ciò accade soprattutto accostando i colori complementari.

Dopo quelle prime esperienze, la Delaunay lavorò nel campo della moda per tutti gli anni '20, dedicandosi contemporaneamente anche alla pittura, considerando i due campi strettamente connessi.

Scrisse anche un libro nel 1927, dal titolo: L'influenza della pittura sulla moda dove spiegò l'importanza di entrambe le esperienze ed espose i  risultati sue ricerche sul colore e la luce. Riprendendo le opere e la tecnica degli impressionisti, nel suo libro scrive:

"La sensibilità diretta dell'occhio fisso sulla natura cerca di riprodurre la moltitudine dei toni elementari la cui giustapposizione dà alla retina la sensazione di un colore unico. Una tinta che sembra uniforme è formata dall'insieme di una miriade di tinte diverse, percepibili solo all'occhio che sa vedere. E' una visione atmosferica e non sintetica. E' la scomposizione delle tinte in elementi multipli, presi dai colori del prisma, e quindi formati da elementi di colori puri."

Nella progettazione di tessuti, abiti, tendaggi e arredamento, Sonia Dalaunay si serve sempre di bozzetti eseguiti ad acquerello o tempera, come quelli che si possono ancora vedere presso l'Archivio Delaunay a Parigi.

Gli abiti simultanei della Delaunay sono costituiti soprattutto dai colori, e sono molto semplici, poiché le forme dritte e il taglio semplice mettono in evidenza le composizioni geometriche e valorizzano il cromatismo.

Nel 1913 realizzò i primi collages "simultanei" e portò avanti insieme a Robert gli studi sulla rifrazione della luce. Tra questi, un grande olio su tela dal titolo Le Bal Bullier, del 1913, giocato su compenetrazioni cromatiche e dinamismo formale e il celebre Prismi elettrici, un pastello eseguito su carta di soia, del 1914.

L'opera di Sonia Delaunay ha avuto un importante impatto anche sulla moda, poichè l'artista si dedicò alla produzione di stoffe stampate e abiti di tendenza astratta. Queste sue creazioni aprono una linea particolarmente innovativa che verrà sviluppata nella moda degli anni '20 e '30, ma sulla quale si ritornerà anche più tardi, come ad esempio negli anni '60.

Nel 1917 si dedicò anche al teatro disegnando i costumi per il balletto Cleopatra del grande coreografo russo Diaghilev. A partire dal 1933 si dedicò alla pittura, nel 1937 partecipò alla decorazione dell'Esposizione Universale di Parigi ed espose in diverse mostre le sue opere astratte. Tra le opere più famose sono i suoi rytme-couleur del 1848 e gli arazzi, come le composizioni degli anni '40.

Morì a Parigi nel 1979.

A. Cocchi

Bibliografia

V. Maugeri A. Paffumi Storia della moda e del costume. Calderini Editore, Firenze 2005

L. Kybalovà, O. Herbenovà, M. Lamarovà. Enciclopedia illustrata del costume. F.lli Melita Editore, La Spezia 1988

C. Giorgetti. Manuale di Storia del Costume e della Moda. Cantini Gruppo D'Adamo Editore, Firenze

E. Morini. Storia della moda XVIII-XX secolo. Skira editore, Ginevra-Milano 2006

F. Podreider. Guida alla raccolta di stoffe di Rosa Genoni Podreider. Dattiloscritto. Archivio Storico della Società Umanitaria di Milano.

C. Bertelli, M. Robilant, F. Filippi, L. Lecci, P. Valenti. La storia dell'arte. Vol. 5 Novecento e oltre. Edizioni scolastiche Bruno Mondadori. Milano, Torino 2010

G. Dorfles, A. Vettese. Arti visive. Il Novecento. Protagonisti e movimenti. Atlas editore. Bergamo, 1999

AA.VV: La nuova Enciclopedia dell'Arte Garzanti. Garzanti editore 1986

tratto da http://www.geometriefluide.com/pagina.asp?cat=avanguardie-900&prod=sonia-dealunay-moda

Sonia Delaunay Fashion Illustration

Reference Code: US.NNFIT.SC.N6853.D34 L56.18
Date of Original: 1923-1924

Source: Plates from portfolio "Sonia Delaunay; ses peintures, ses objets, ses tissus simultanés, ses modes"

All Special Collections access is by appointment. Researchers should e-mail a request for an appointment to gml_spcollections@yahoo.com as far in advance as possible. For more info, please visit our FIT website.

The Department of Special Collections and FIT Archives does not own copyright for all material held in its physical custody. It is the researcher's obligation to satisfy copyright law (www.copyright.gov/title17/92chap1.html#108) when copying or using materials (including digital materials) found in or made available from the department

CAPPELLI E BERRETTI di SATERIALE

CAPPELLI E BERRETTI

Ho sempre amato i cappelli, ma da poco ho riscoperto l'arte per realizzarli.

Li faccio all'uncinetto, con la stoffa, con il panno e con i tessuti stampati con disegni miei.

Li realizzo su misura, personalizzati, di tutte le forme e colori.

Nessun cappello è uguale ad un altro.

Alcune volte seguo uno schema ma per lo più improvvisato, così facendo ogni cappello è unico ed irripetibile.

Per chi non vuole buttare via nulla realizzo cappelli con materiali di recupero come capi di abbigliamento, tessuti di tappezzeria, tendaggi, ecc.

Con il cappello si può creare un abbinamento con la borsa ed il porta cellulare ..

http://disegnatoredistoffe.jimdo.com/cappelli-e-berretti/

DISEGNI PER STOFFE DEDICATO A MICHEL KLEIN

BIOGRAFIA Michel KLEIN est un créateur complet. Haute couture chez Guy Laroche depuis 1993, ou il a appris le goût de la perfection, puis prêt-à-porter de luxe sous son propre nom, ainsi que des accessoires, des parfums …. Son obsession ? Une élégance redoutable. Trouver le subtil équilibre entre le magique et l’utile, entre le conte de fées et la réalité, voilà le travail d’un couturier conscient du désir des femmes modernes : « mes robes sont des histoires privées, intimes. On peut les porter pour une cérémonie, mais aussi seulement pour soi, pour se sentir belle et bien dans sa peau. Le plaisir de celle qui la porte étant d’être la seul à apprécier la qualité d’un tissu ou le dessin de broderies dissimulées à l’intérieur des plis… » Klein veut inventer des robes pour durer, et trouve mal élevé de créer pour six mois, seulement. Des tenues aux allures de parisienne voyageuse, femme d’esprit et d’attitude, tour à tour décidée et séductrice. On retrouve dans ses collections, fruit du travail d’artisans exceptionnels, de petits chefs-d’œuvre de féminité et de raffinement, en osmose avec le parfum « Cher Michel Klein », nuage poudré subtil et tendre : une autre façon de porter du Michel Klein ! TRADUZIONE IN ITALIANO DA GOOGLE Michael Klein è un progettista completo. Alta moda a Guy Laroche nel 1993, dove ha imparato il gusto della perfezione e pronto-à-porter con il proprio nome, così come gli accessori, profumi .... La sua ossessione? Eleganza formidabile. Trovare il delicato equilibrio tra il magico e l'utile, dalla fiaba e realtà, questo è il lavoro di un progettista consapevole del desiderio della donna moderna: "I miei abiti sono storie private, intime. Si può indossare per una cerimonia, ma solo per se stessi, per sentirsi belle e bene con te stesso. Il piacere di chi lo indossa è quello di essere l'unico ad apprezzare la qualità di un tessuto o ricamo disegno nascosto tra le pieghe ... " Klein vuole inventare abiti per ultima, ed è maleducato di creare per sei mesi soltanto. Abiti che assomiglia a un parigino viaggiatore, donna di spirito e atteggiamento, a sua volta, determinata e seducente. Trovato nelle sue collezioni, prodotte da artigiani eccellenti, piccoli capolavori di femminilità ed eleganza, in armonia con il profumo "di Cher Michel Klein," sottile e morbida nuvola di polvere: un altro modo di indossare Michel Klein! M

BATIK

BATIK

FOTO TRATTA DA 

http://www.indonesia-tourism-info.com/2010/07/batik.html

Il Batik è una tecnica pittorica di origini giavanesi.
Viene scoperta e diffusa da pittori francesi nel secolo scorso.
La tecnica Batik è un procedimento molto particolare: consiste infatti nel ricoprire con cera parti del materiale in utilizzato che non si vogliono dipingere. Il materiale può essere carta, cuoio o tela.
Il Batik viene principalmente utilizzato nel settore tessile per la decorazione di tessuti.


TRATTO DA http://www.babelearte.it/glossario.asp?id=257

*****************************

B Atik è un'arte popolare tradizionale cinese che unisce pittura e tintura. E 'costituito da immergendo un coltello appositamente progettato in cera fusa e pittura vari modelli su pezzi di stoffa bianca. La cera rimane sul panno e le crepe spesso dopo si indurisce. Il tessuto è poi tinto e coloranti penetrano nelle fessure e fare linee sottili. Quando la cera è evaporata, bei modelli appaiono sulla tela. Tessuto batik possono essere trasformati in abiti, sciarpe, borse, tovaglie, copriletti, tende e altri oggetti decorativi. La storia del batik si può far risalire alla Dinastia Han Occidentale (206 aC-24 dC). Batik usato per essere popolare sia in Europa centrale e sud-ovest della Cina. In qualche modo la tecnica del batik è stato perso nella Cina centrale, ma è stata tramandata di generazione in generazione tra la gente etnica in Guizhou, una provincia nel sud-ovest della Cina. Nessuno sa come batik è stato inventato, ma un racconto popolare di una "ragazza batik", ci dice qualcosa al riguardo. La storia racconta che tanto tempo fa, c'era una ragazza che vive in un villaggio di pietra chiamato Anshun, ora una città nella provincia di Guizhou. Era appassionato di tintura tessuto bianco blu e viola. Un giorno, mentre stava lavorando, un'ape è successo a posarsi sulla sua tela. Dopo aver tolto l'ape, ha trovato c'era un puntino bianco lasciato sulla tela, che sembrava molto carino. La sua scoperta ha portato l'uso della cera a tintura.

Tra le nazionalità Miao, una minoranza etnica in Cina sud-occidentale, le ragazze giovani devono imparare a fare batik, a tessere e ricamare. Richieste personalizzate che fanno la loro farments proprio, da abiti da sposa a sartie funerale. Come tutte le altre ragazze Miao, Yang Jinxiu, nativo di Anshun nel Guizhou, batik abilità apprese quando era una bambina. A vent'anni aveva già formato il suo stile che è stato caratterizzato dalla combinazione di realisma ° romanticismo. Nel 1981, è stata scelta dall'Associazione cinese per la Scienza e la Tecnologia ad esporre la sua arte del batik fare ad una mostra all'estero. Successivamente ha preso la mostra in1982 in Canada e negli Stati Uniti nel 1984. I suoi lavori sono stati elogiati come "gioielli di arte popolare antica" e "fiori del leggendario arte orientale". Nel 1986, andò a Guiyang, capitale della provincia di Guizhou, e ha stabilito un mulino artigianale batik che ampliato un anno dopo nel Corporation Jinxiu Yang Batik comune. Yang è il direttore e capo progettista. Le esportazioni società batik beni ad un certo numero di paesi esteri tra cui Stati Uniti, Canada, Francia, Austria, Australia, Argentina, Brasile, Giappone e Singapore.

TRATTO DA http://www.chinavoc.com/arts/folk/batik.htm

DISEGNATORE DI STOFFE

ANCHE LA GIOCONDA VESTE LE MIE STOFFE

VISTA IL MIO SITO DEDICATO AI DISEGNI DI STOFFE DESTINATI A:

ABBIGLIAMENTO, ARREDAMENTO, TAPPEZZERIA, ACCESSORI...

http://disegnatoredistoffe.jimdo.com

L'ARTE TESSILE

Questa rassegna incomincia dall'inizio della nostra Era, cioè da quando le fonti documentali tessili e letterarie sono sufficientemente ricche per documentarci l'arte e l'industria del tessuto decorato.

L'arte del decoro delle stoffe di seta è, forse fra tutte le arti, quella che permette di meglio seguire l'evoluzione dell'ornamento di cui costituisce una sorte di sintesi; più delle altre arti, essendo per eccellenza intima ed utile, riflette meglio lo spirito dei tempi. Essendo il lusso una conseguenza della ricchezza e le stoffe di seta essenzialmente manifestazioni del lusso, non è sorprendente affermare che l'industria tessile serica, in ogni epoca, si trova localizzata in quei paesi che, per conquiste d'armi o di spirito, hanno avuto una posizione preponderante.

Nel corso della nostra Era, la storia delle sete decorate si presta ad essere divisa in quattro grandi periodi che si chiamano:

Romano-bizantino

Mussulmano

Italiano

Francese

Come le civilizzazioni in generale, anche questi periodi, per arrivare alla loro originale espressione, passano attraverso due fasi: quella della copia e dell'adattamento delle forme artistiche imperanti al momento e quella della creazione affrancata da tutte le influenze dirette del passato.

Il semplice aspetto di una serie di documenti tessili, di significativa entità, sovente è sufficiente per definirli orientali od occidentali.

In generale, tutti i decori tessili che danno l'impressione del rilievo, nei quali l'ornamento sembra staccarsi dal fondo, saranno di fattura occidentale. Al contrario, se il decoro sembra fuso nel fondo e dare all'insieme un aspetto appiattito, la stoffa ha buone probabilità di essere orientale. In effetti, mentre in Occidente si ricerca la rappresentazione plastica e realistica, conferendo all'oggetto rappresentato un' altezza, una larghezza ed uno spessore, in Oriente la terza dimensione, quella dello spessore, sfugge, e di conseguenza la rappresentazione dell'oggetto resta piatta.

TRATTO DA http://www.thais.it/arti_minori/tessuto/default.htm

DISEGNATORE DI STOFFE GENNAIO 2007

DISEGNATORE DI STOFFE

GENNAIO 2007

RAFFAELA MARIA SATERIALE

Addio a Ratti, il signore della seta

L' imprenditore simbolo dell' industria serica è morto ieri nella sua casa di Como

COMO - «La morte di Ratti è la fine di un' epoca: quella di chi ha fatto della seta un' arte e reso grande l' industria serica comasca». La scomparsa del fondatore di una delle più importanti aziende tessili italiane mette d' accordo imprenditori e sindacalisti: con Antonio Ratti se ne va una figura storica del mondo della moda. Aveva 86 anni ed era un imprenditore che amava il suo lavoro e che aveva una passione sfrenata per la seta che, come lui stesso amava dire, «è bellezza viva, con un suo calore e sapore, che al tatto provoca sensazioni di goduria assoluta». Al punto di dedicare gli anni della pensione alla promozione del settore serico nel mondo con la sua Fondazione, costituita nel 1985, e arrivando dieci anni più tardi ad ottenere la prestigiosa apertura dell' «Antonio Ratti Textile Center» al Metropolitan Museum of Arts di New York. Ratti, capostipite di gruppo tessile costituito il 25 aprile 1945, giorno della Liberazione, grazie a un lascito di 10mila lire e ora quotato in Borsa, è morto ieri mattina nella sua casa di Como per un edema polmonare. La sua scomparsa ha scosso il mondo della moda: per tutto il giorno la residenza di via Panoramica San Pietro, un bella dimora con vista sul lago, è stata meta di amici, imprenditori e stilisti. Tra i tanti che lo hanno voluto ricordare c' è anche Gianfranco Ferrè, che con Ratti ha lavorato per trent' anni: «Antonio era un grande uomo di impresa e di cultura. La sua eredità è straordinaria, unica». La storia imprenditoriale di Ratti, disegnatore e creatore di tessuti, patriarca della seta italiana, consigliere di importanti società quali Generali, Mediobanca e Rcs, iniziò quando aveva 14 anni ed era già stregato «da quel solerte lavorio di taglio e cucito. Ero capace di stare delle ore con gli occhi sbarrati a seguire il destino di un pezzetto di stoffa che diventava un vestito», come raccontava pochi mesi fa. A soli 16 anni lavorava già come apprendista disegnatore prima in una ditta tessile e poi nello studio Gualdo Porro. Negli anni della guerra lasciò i suoi amati tessuti e partì per la Grecia e per l' Albania, dove un cecchino lo ferì gravemente a una gamba. Rimpatriato su una nave ospedale, tornò a Como dove il 25 aprile 1945 («Ancora non sapevo che la guerra fosse finita») presentò domanda di licenza come artigiano e fondò la Tessitura Serica Antonio Ratti. Da allora è stato tutto un crescendo: la piccola azienda dell' immediato dopoguerra diventò alla fine degli anni Ottanta un gruppo con ben 1.200 dipendenti e, dal 1989, quotato in Borsa. Ratti venne anche nominato Cavaliere del lavoro nel 1972. Una vita intensa e ricca di successi, anche se non sono mancati i momenti bui, come i giorni del sequestro della figlia Erika, rapita alla fine degli anni Settanta, terminato felicemente con la liberazione della ragazza. A un' altra figlia, Donatella, nel 1996 Ratti passò il testimone dell' azienda. Como, che a quel disegnatore di tessuti deve buona parte della sua fama di città della seta, ha riservato ad Antonio Ratti un saluto solenne: i funerali si svolgeranno domani mattina alle 11 nel Duomo. Paolo Moretti INDUSTRIALE E FILANTROPO Iniziò a 16 anni da apprendista «CAVALIERE» Antonio Ratti nasce a Como il 22 settembre 1915. A 16 anni inizia a lavorare come apprendista disegnatore. Il 25 aprile 1945 fonda la Tessitura Serica Antonio Ratti, che negli anni diventa uno dei punti di riferimento dell' industria tessile. Nel 1972 viene nominato Cavaliere del lavoro. IL GRUPPO La piccola azienda del ' 45 si trasforma presto nel principale gruppo tessile comasco, arrivando ad occupare 1.200 dipendenti. Dal 1989 la Ratti, che fattura oltre 120 milioni di euro all' anno, è quotata in Borsa. LA FONDAZIONE Nel 1985 nasce la Fondazione Antonio Ratti, che si propone di promuovere e favorire iniziative, ricerche e studi di interesse artistico, culturale e tecnologico nel campo tessile

Moretti Paolo

Pagina 52
(14 febbraio 2002) - Corriere della Sera

http://www.fondazioneratti.org